El Salón Egipcio
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1. Salón Egipcio, Piccadilly. Grabado de A. McClatchy (1828), basado en un dibujo de T. H. Shepherd.
2. William Bullock (c. 1773-1849), orfebre, joyero, viajero, naturalista y anticuario, por Jean-Henri Marlet. En 1795, Bullock fundó un Museo de Curiosidades Naturales en Liverpool, que luego trasladaría al Salón Egipcio (1812).
3. Colección expuesta en el Salón Egipcio (1820). Autor desconocido. La colección incluía más de 32.000 artículos, e incluía obras de arte, armería, objetos de historia natural y otras curiosidades, algunas traídas de las expediciones de James Cook. Fue subastada en 1819.
4. La Gran Sala del Salón Egipcio, rediseñada por JB Papworth en 1819
5. Thomas Hope (1769-1831) con traje oriental; impresión en color basado en un retrato de William Beechey (1798).
6. La casa de Thomas Hope, 10 Duchess Street, London
7. Interior de la galería de imágenes de Thomas Hope, Duchess Street, Londres
8. Sala egipcia, muebles y decoración, por Thomas Hope, London, 1807.
9. El Templo de Dendera, dedicado a Hathor, diosa del amor y la fertilidad, construido por Nectanebo I, uno de los últimos faraones nativos (381-364 a. C.).
El Salón Egipcio, construido entre 1811 y1812, fue el primer edificio inglés influenciado por la arquitectura egipcia. El viajero y naturalista inglés William Bullock (1773-1849) encargó al arquitecto Peter Fredrick Robinson (1776-1858) que diseñara un museo para albergar su colección privada, que comprendía curiosidades del Mar del Sur, África y América del Norte y del Sur; obras de arte y piezas de armería. Tras la victoria de Horatio Nelson (1758-1805) sobre los franceses en la Batalla del Nilo en 1799, el interés público por Egipto comenzó a crecer. Erigido con un presupuesto de 16.000 libras esterlinas, se inspiró en la sala egipcia de la casa del coleccionista Thomas Hope (1769-1831) en Duchess Street, Marylebone. La gran fachada del Salón eclipsaba los frentes sencillos de las casas georgianas que la rodeaban. Muchos de sus detalles fueron copiados del complejo del Templo de Dendera en Egipto, como las columnas y jeroglíficos. Sobre la entrada había dos enormes figuras de Isis y Osiris en piedra de Coade, del escultor Sebastian Gahagan (1779-1838). En el interior, había un Gran Salón, salas de conferencias, un bazar y una gran sala central llamada Galería Waterloo.
La captura del carruaje de Napoleón después de la Batalla de Waterloo del Depósito de Ackermann (1816). "A la entrada de Genappe, el mayor Von Keller se encontró con el carruaje de viaje de Bonaparte con seis caballos. El postillón y los dos caballos líderes fueron asesinados por las bayonetas de los fusileros. El mayor derribó al cochero y forzó la puerta del carruaje. En ese momento vio a Bonaparte montando un caballo en el lado opuesto. En su precipitación, Napoleón dejó caer su sombrero, espada y manto.
Una descripción del costoso y curioso carruaje militar del difunto Emperador de Francia: tomada la noche de la batalla de Waterloo; con su magnífico y curioso contenido, comprado por el gobierno, y ahora exhibido en el Museo de Londres, Piccadilly; con las circunstancias de la captura, descritas con precisión, por Major Baron von Keller, por quien fue tomada y llevada a Inglaterra. Londres: impreso para William Bullock, 1816. Página de título del folleto.
Fotografía del carruaje militar de Napoleón en Waterloo.
Fotografía del carruaje militar de Napoleón en Waterloo después del incendio.
Los bomberos combaten el incendio. El incendio se produjo el 18 de marzo de 1925 y tardó una hora y media en extinguirse.
El carruaje utilizado por Napoleón en Santa Elena se reduce a cenizas y metal retorcido, junto con su carruaje de Waterloo.
Maniquíes rescatados después del incendio.
En 1816, una exposición de reliquias napoleónicas en el Salón Egipcio, que incluía el carruaje de campo de Napoleón de la Batalla de Waterloo, fue un gran éxito. El mayor Keller, después de exhibir el carruaje en Düsseldorf, lo vendió a los británicos por £ 2500. El príncipe Regente terminó con el carruaje y, finalmente, William Bullock obtuvo el permiso para exhibirlo y, en algún momento, compró el carruaje. Bullock ganó 35.000 libras esterlinas con los 220.000 visitantes de la exhibición, Después de exhibir el carruaje en Londres, Bullock lo llevó de gira por las principales ciudades y pueblos del Reino Unido. El carruaje lo conducía un cochero francés, tirado por cuatro corpulentos caballos normandos. Después fue subastado y pasó por varias manos, hasta que lo adquirió el museo Madame Tussaud en 1842, donde formó parte de una exposición sobre el emperador. En 1925 un incendio arrasó con las figuras de cera y el carruaje de Napoleón, consumido por las llamas 110 años después de la Batalla de Waterloo.
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JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19)
Horace Vernet, Jean-Louis-André-Théodore Gericault (1791-1824), probablemente en 1822 o 1823. Metropolitan Museum of Art. Pintor y litógrafo francés. Aunque murió joven, fue uno de los pioneros del movimiento romántico. Debilitado por varios accidentes de equitación y la tuberculosis, murió en París en 1824.
Oficial de cazadores a la carga (1812). La primera gran obra de Géricault, expuesta en el Salón de París de 1812, revela la influencia del estilo de Rubens.
La Monomane de l'envie (Mujer loca), 1822 (Museo de Bellas Artes de Lyon). Después de su regreso a Francia en 1821, Géricault pintó una serie de diez retratos de locos, pacientes de un amigo psiquiatra,. Este es uno de los cinco que quedan.
Benjamin Robert Haydon (1786-1846). 'La entrada de Cristo en Jerusalén' (1820)
Artista desconocido - Clave para las figuras en 'La entrada de Cristo en Jerusalén' de BR Haydon. - 1820?. - Pluma y tinta. - 160x180mm. 13 Wordsworth 14 Keats 11 Newton 12 Voltaire / 19 Sharp the Engraver 20 Hazlitt.
Benjamín Robert Haydon (1786-1846) Autorretrato , c.1845. Galería Nacional de Retratos, Londres. Pintor británico especializado en grandes cuadros históricos, aunque también pintó temas y retratos contemporáneos. Su éxito comercial se vio perjudicado por su poco tacto con los patrocinadores y por la enorme escala en la que prefería trabajar. Aquejado por problemas económicos a lo largo de su vida, lo que le llevó a prisión por deudas en carias ocasiones, se suicidó en 1846.
Arthur Wellesley, primer duque de Wellington por Benjamin Robert Haydon (1846).
En 1819, Bullock vendió su colección de etnografía y de historia natural en una subasta y convirtió el museo en una sala de exposiciones. Era de los pocos lugares de Londres capaces de exhibir obras de gran formato. En 1820, La balsa de la Medusa de Théodore Géricault se se exhibió desde el 10 de junio hasta fin de año, y fue admirada por unos 40.000 visitantes. La recepción en Londres fue más positiva que en París; en parte, por la forma de exposición de la pintura: en París se había colgado en lo alto del Salon Carré, mientras que en Londres se colocó cerca del suelo, aumentando su impacto visual. Con la exposición de Londres, Géricault ganó cerca de 20.000 francos, del porcentaje de las tarifas cobradas a los visitantes (un chelín), bastante más de lo que le habría pagado el gobierno francés si le hubiera comprado la obra.
Su obra ensombreció la pintura de Benjamin Robert Haydon, La entrada triunfal de Cristo en Jerusalén, un enorme lienzo pintado durante seis años, expuesta en una sala contigua. John Keats, de veinticuatro años, visita la la exposición y debió sentirse halagado al ver que había sido incluido en el lienzo, junto a contemporáneos como William Hazlitt, William Wordsworth y Charles Lamb, así como figuras históricas como Voltaire y Newton. El estilo neoclásico de Haydon contrastaba con la pintura de Géricault, un puente hacia el romanticismo. Haydon alquiló salas para mostrar su trabajo en varias ocasiones.
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Retrato de Giovanni Baptista Belzoni (1778-1823, apoyado en un bloque de mampostería egipcia tallada con jeroglíficos y sosteniendo una pipa de agua en una mano, vestido con traje oriental. Grabado realizado por Maxim Gauci, impreso por Charles Joseph Hullmand (1815-1822)
Retrato de Giovanni Belzoni por Jan Adam Kruseman, 1824, Museo Fitzwilliam.
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Retrato de Belzoni como forzudo, por George Cruikshank. Museo Británico.
Busto colosal de Ramsés II , el 'Memnon más joven' en el Museo Británico.
Abu Simbel: dos templos vistos desde el otro lado del río Nilo. Aguafuerte coloreada por A. Aglio, 1820, según G. Belzoni, antes de que este despejara la entrada de arena..
Durante 1820 y 1821 el explorador y arqueólogo italiano Giovanni Battista Belzoni también exhibió en el Salón Egipcio de Piccadilly sus facsímiles de la tumba de Seti I, que él mismo había descubierto y documentado. La superficies en relieve las extrajo con moldes de cera de las paredes de la tumba y el color se pintó a mano en Londres, a partir de las acuarelas realizadas por él in situ. Su método de moldeado provocó el deterioro de la pintura y de la tela, pero el resultado causó sensación en Londres y despertó la pasión por el Egipto faraónico en el Reino Unido.
Este italiano de Padua, que había trabajado de barbero en Batavia y de forzudo de circo en Inglaterra (medía más de dos metros y levantaba doce hombres a la vez), logró sus más notables hazañas en Egipto. Fue admirado por el traslado del busto de siete toneladas de Ramsés II, que los sabios franceses no lograron mover un centímetro. Utilizó medios tradicionales (palancas, rodillos y sogas de fibra de palma), despejó los obstáculos del camino hasta las orillas del Nilo, donde lo embarcó hacia Inglaterra. Desde entonces, se exhibe en el Museo Británico.
También amplió sus investigaciones al gran templo de Edfu, visitó Elefantina y Philae, limpió de arena la entrada del gran templo de Abu Simbel (1817), hizo excavaciones en Karnak y fue el primero en penetrar en la Pirámide de Khafre, la segunda pirámide del complejo de Giza.
En 1823 partió hacia África Occidental, con la intención de viajar a Tombuctú. Habiéndosele negado el permiso para cruzar Marruecos, eligió la ruta costera del Golfo de Guinea. Llegó al Reino de Benin, pero murió de disentería en un pueblo llamado Gwato. El gigante vencido por un microbio.
Estudio original al óleo sobre lienzo de Ward, exhibido en la Institución Británica en 1816.
Estudio para una figura del cuadro. James Ward.
Dibujo detallado en el Museo Fitzwilliam. Cambridge.
Peter Paul Rubens (1577-1640)– Boceto de El triunfo de la Eucaristía sobre la ignorancia y la ceguera (c. 1625). Museo del Prado.
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Gordale Scar (Tate, Londres ), paisaje de Yorkshire, de gran formato, completado en 1815. Representa un ejemplo de "lo sublime" y se considera una obra maestra del romanticismo británico.
En 1822, James Ward (1769-1859) expuso su gigantesca Alegoría de Waterloo en el Salón Egipcio. Ward tardó 6 años en completar el lienzo, que medía 6,4 × 10,7 m, más del triple del tamaño esperado. En lugar de pintar un retrato de Wellington y sus generales, o una escena de batalla, Ward optó por mostrar al duque con el uniforme de mariscal de campo con sus bandas y condecoraciones, de pie en un carro triunfal acompañado por Britannia, tirado por cuatro caballos blancos, conducidos por figuras alegóricas; arriba, un sofocante sol naranja y un ángel dominaban la escena, mientras que el resto de la tela estaba plagada de símbolos y otros personajes alegóricos. Dos columnas salomónicas y un entablamento enmarcaban la imagen. Aunque su propuesta ganó el concurso organizado por la Institución Británica para celebrar la victoria final sobre Napoleón en 1816, los elogios se convirtieron en críticas al ver el resultado. Después de la exposición, se donó al Royal Hospital Chelsea, pero era tan grande que rara vez se colgaba en el pasillo como estaba previsto. Años más tarde se cortó en varios pedazos que con el tiempo se han perdido. Solo se conservan algunos estudios y dibujos. La pintura parece inspirada en un tapiz de Rubens, Triunfo de la Eucaristía sobre la ignorancia y la ceguera, de la serie encargada por la infanta Clara Eugenia, gobernadora de los Países Bajos españoles, para el Convento de las Descalzas Reales de Madrid; seis de los bocetos al óleo preparatorios se encuentran en el Museo del Prado de Madrid.
Joseph Mallord William Turner, Aldborough, Suffolk c.1826. Tate Gallery.
Joseph Mallord William Turner, Elección de Northampton, 6 de diciembre de 1830 c.1830-1. Tate Gallery.
José Mallord William TurnerLa quema de las Casas del Parlamento c.1834-5. Tate Gallery. El catastrófico incendio que destruyó gran parte del Palacio de Westminster en el centro de Londres, incluidas las Cámaras de los Lores y de los Comunes, estalló la tarde del 16 de octubre de 1834. Turner fue uno de los miles de testigos presenciales.
Joseph Mallord William Turner, Merton College, Oxford c.1835-8
Joseph Mallord William Turner. Saltash, Cornualles; la ciudad vista desde el agua. 1825
Richmond Hill y Puente, Surrey; Joseph Mallord William Turner (1829). Museo Británico.
Joseph Mallord William Turner. Lago Albano, Italia. Aunque no pertenece a la serie de Inglaterra y Gales, se expuso en el Salón Egipcio en 1829.
Joseph Mallord William Turner, Launceston, Cornwall (C. 1829)
Retrato de JMW Turner en la Sala de Impresión del Museo Británico; Acuarela sobre grafito; Dibujado por John Thomas Smith. Museo Británico.
El Salón Egipcio de Piccadilly estuvo asociado también con la exposición de acuarelas. La Water-Colour Society exhibió allí en 1821–22. El grabador Charles Heath contrató la sala en junio y julio de 1829 para exhibir cuarenta y dos acuarelas de Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres 1775- Chelsea,1851), de la serie Vistas pintorescas de Inglaterra y Gales; encargada para realizar grabados y publicarlos en varios volúmenes (entre 1827 y 1838). Turner expuso en el Salón varios años. Las obras representadas aquí están asociadas casi con certeza con esta serie, pero solo las anteriores a 1829 se pudieron exponer en el Salón Egipcio. Turner realizó cien acuarelas, de las cuales se grabaron noventa y seis. Charles Heath compró las acuarelas a Turner y las exhibió por derecho propio en 1829, 1831 y 1833. La historia de la publicación es complicada y las impresiones no fueron un éxito financiero. La serie concluyó en 1838, por debajo de los ciento veinte diseños proyectados. Para entonces, a Turner le habían pagado treinta guineas por cada una de las noventa y siete acuarelas.
Claude Ambroise Seurat, el esqueleto viviente. Grabado a color. Publicado por Chubb.
Dibujo a lápiz de Francisco de Goya datado y localizado en Burdeos, año 1826 ( Museo del Prado )
Descripción "interesante" de Claude-Ambroise Seurat appelé l'homme anatomique, ou le squelette vivant por M. le Comte Joseph de Cissé, poco después de 1828.
Paso a dos. Aguafuerte coloreado a mano de John Fairburn (1825). Representación satírica de sir William Curtis (1752-1829), empresario y político inglés, conocido por los lujosos banquetes que daba en su finca, bailando con Seurat.
Grabado británico de John Byfield representando una exhibición de Claude Seurat, el Esqueleto Viviente; 1825.
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Retrato de Claude Ambroise Seurat, grabado por Henry White, dibujo de Alexande Fussel (1830)
Impresión satírica de Henry Heath (1825), representando a Seurat y Curtis sobre sus respectivos mapas de Francia e Inglaterra.
El librero George Lackington se convirtió en propietario del Salón en 1825 y pasó a utilizar las instalaciones para mostrar panoramas, exhibiciones de arte y producciones de entretenimiento. De estas últimas, mencionaré algunos de los más exitosos. Ese mismo año se exhibió el llamado "el Hombre Anatómico o el Esqueleto Viviente", Claude Ambroise Seurat, nacido en Troyes en abril de 1798; su altura era algo más de1,70 metros y pesaba unos 35 kg, prácticamente estaba hecho de piel y de huesos, nada de grasa y muy poco músculo. Sus costillas no sólo se podían distinguir, sino separar claramente y contar una por una; y su respiración era limitada, dada la contracción de sus pulmones. Sin embargo, sorprendía a los médicos su buen estado de salud general. No se conoce cuándo ni de qué murió. Viajó por Francia y varios países europeos. Su llegada a Londres levantó una gran expectación y se codeó con la aristocracia, apareciendo en varias caricaturas satíricas de la época. Seurat fue objeto de un dibujo de Francisco de Goya, después de que el pintor lo conociera en un circo de Burdeos en 1826.
Cartel publicitario del Salón Egipcio de Piccadilly que muestra a Chang y Eng Bunker, dos hermanos gemelos unidos.
Chang y Eng, los gemelos siameses, de dieciocho años, con raquetas de bádminton. Grabado en color por JLB, 1829.
Los primeros informes sobre los gemelos los describieron como niños pequeños, una etiqueta que se intentaron sacudir.
Tres obras de sátira política que hacen referencia a "los jóvenes siameses" de William Heath , 1830
Retrato al óleo de Édouard Pingret, 1836
Acuarela sobre marfil, c.1836
Retrato de la escuela inglesa, 1846
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Litografía de Currier e Ives fechada en 1860 que presenta a "Los gemelos siameses unidos de renombre mundial" Chang y Eng Bunker. El borde muestra a Chang y Eng participando en una variedad de actividades, como la caza, la pesca y la agricultura. Sus esposas e hijos se muestran a cada uno de sus lados.
Cartel anunciador de los gemelos "Maravillosos y de renombre mundial", posterior a la Guerra Civil.
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Retrato familiar de Mathew Brady, c. 1865: (de izquierda a derecha) Sarah, su hijo Patrick Henry, Eng, Chang, su hijo Albert y Adelaide
Este retrato familiar de la década de 1860 muestra a Chang y Eng Bunker con sus esposas y 18 de sus 22 hijos. También incluye a Grace Gates, una de las 33 esclavas de su plantación.
Fotografía de Eng, izq., y Chang, drcha., en los últimos años (c. 1870).
Chang y Eng Bunker (1811-1874) fueron dos hermanos gemelos de ascendencia china, nacidos en Siam (actual Tailandia) con sus cuerpos unidos. Su fama dio lugar a que se utilizara el término "siameses" para referirse a las personas que nacen unidas como ellos.
El "descubrimiento" de los hermanos se atribuye al comerciante escocés Robert Hunter, que en 1824 los vio nadar en el río Menam. Primero creyó que se trataba de un "animal extraño", pero al salir del agua comprendió que exhibirlos en Occidente sería una buena oportunidad de negocio. Tardó cinco años en llevárselos con un contrato para hacer una gira por Estados Unidos y Europa. En sus actuaciones, realizaban proezas físicas, corriendo, nadando y dando saltos mortales; y llevaban coletas y vestían ropa oriental para remarcar su exotismo.
A finales de 1829, los hermanos Bunker hicieron su aparición en el Salón Egipcio de Londres, se anunciaron como "dos jóvenes de dieciocho años, nativos de Siam, unidos por una pequeña banda en la boca del estómago, dos cuerpos perfectos, unidos por un vínculo inseparable".
Tres años después se independizaron de sus gerentes y comenzaron a viajar por su cuenta. Cambiaron algunas partes de su actuación, usaban ropa occidental, hablaban en inglés con la audiencia y ya no se presentaban como "chicos", sino como hombres.
En 1839, después de una década de éxito financiero, los gemelos dejaron de viajar y se establecieron cerca de Mount Airy (Carolina del Norte), donde compraron una plantación y varias decenas de esclavos. Se casaron con dos hermanas de la localidad y construyeron dos casas. Para evitar problemas de convivencia, pasaban tres días consecutivos en cada casa; de manera que el anfitrión hacía lo que quisiera, mientras su hermano guardaba silencio. Chang tuvo 10 hijos, mientras que Eng tuvo 11.
En los años 50 y 60 volvieron a hacer giras, hasta que comenzó la Guerra Civil Estadounidense. Al terminar la guerra en 1865, sus finanzas se vieron afectadas, pues habían prestado dinero que se les devolvió en moneda confederada sin valor, y sus esclavos se emanciparon. Decidieron reanudar las giras, pero las audiencias del norte no fueron tan receptivas como antes, ya que habían sido esclavistas confederados.
Estaban unidos por el esternón y por un cartílago, y sus hígados estaban fusionados. Durante décadas consultaron a muchos médicos sobre la posibilidad de ser separados, pero, con los medios de diagnóstico de entonces, la operación resultaba peligrosa y lo descartaron.
Chang se dedicó a la bebida, su salud desmejoró y sufrió un derrame cerebral. En enero de 1874, Chang desarrolló una neumonía y el 17 de enero falleció por la rotura de un aneurisma. Un doctor acudió a proceder a la separación, tal y como habían acordado, pero Eng se negó y murió tres horas después. Hasta 2012, los Bunker tuvieron la vida más larga conocida (62 años) de todos los siameses.
Phineas Taylor Barnum con su protegido, "General Tom Thumb". Daguerrotipo de Samuel Root 1850.
Tom Thumb sostenido por un guardia real (c. 1860)
Tom Thumb vestido con kilt escocés, en presencia de dos damas (c. 1861)
Litografía de Henry Calton Maguire, Tom visitando a la reina Victoria y el príncipe Alberto, con tres de sus hijas (c. 1844). Galería Nacional de Retratos, Londres.
Grabado representando la escena de Tom amenazando al perro de la reina con su espada.
Dibujo a pluma de Tom Thumb y Arthur Wellesley, duque de Wellington, por JPC. Galería Nacional de Retratos, Londres.
Litografía del general Tom Thumb disfrazado de Napoleón.
Tom Tumb disfrazado de Napoleón (c. 1860)
Charles Sherwood Stratton, general Tom Thumb, daguerrotipo de 1848.
Charles Sherwood Stratton (Tom Thumb) (c. 1860)
El carruaje, que Barnum había construido para él, estaba "tirado por caballos en miniatura y atendido por niños vestidos con librea".
Litografía que representa a tom Thumb en su carruaje.
Tom Thumb saliendo del carruaje tirado por ponis con el que hacía su aparición en escena.
Cartel anunciador de la actuación de Tom Thumb en el Salón Egipcio (1844). En Estados Unidos, fue exhibido como inglés, mientras que en Inglaterra se convirtió en una maravilla "yanqui".
Carteles anunciadores de la actuación del general Tom Thombs con Barnum, con dibujos alusivos a distintas escenas de su espectáculo.
Una litografía de Tom Thumb a los 12 años, sobre un dibujo de Crugar.
La pareja antes de casarse.
La pareja de novios tal como aparecieron en la portada del 21 de febrero de 1863 de la revista Harper's Weekly.
“La gran marcha nupcial del general Tom Thumb”, compuesta por E. Mac, Filadelfia, 1863.
La pareja con su supuesto bebé.
Barnum y Tom Thumb
La Casa Tom Thumb en Middleborough, Massachusetts. Se construyó en la década de 1870 como casa de verano. El interior y los muebles se hicieron a escala para satisfacer las necesidades de Stratton y su esposa Lavinia.
Newhall House en Milwaukee en llamas (1883).
Charles Sherwood Stratton (1838-1883), fue un enano que alcanzó fama y fortuna a las órdenes del showman Phineas Taylor Barnum. Nació en Bridgeport (Connecticut), de padres de mediana estatura, con un peso de 4,3 kg; se desarrolló con normalidad hasta los seis meses, después dejó de crecer. En ese momento medía 64 cm y pesaba 6,8 kg. A fines de 1842 había aumentado poco más de 2 cm y su peso seguía siendo el mismo, pero su cuerpo era proporcionado. Alcanzó la altura máxima a los 24 años (89 cm).
Barnum oyó hablar de Stratton en 1842 y, después de convencer a sus padres, le enseñó el oficio; escribió parodias ingeniosas para él y dijo que el niño tenía más edad para que su apariencia resultara más sorprendente. Stratton hizo su primera gira por Estados Unidos con cinco años; se disfrazaba de Cupido y Napoleón, cantaba, bailaba y bromeaba. Barnum lo bautizó con el nombre artístico de general Tom Thumb, por el cuento de hadas. La gira fue un éxito.
Un año después, Barnum organizó una gira por Europa. Mientras actuaban en el Salón Egipcio de Londres, Barnum y Stratton fueron invitados a Buckingham. Stratton se atrevió a cantar sus canciones descaradas y recitar ante la reina Victoria. A la hora de marcharse, se le acercó ladrando un spaniel, Stratton sacó su diminuta espada y simuló pelear con el perro. La corte estalló de risa, y la reina los invitó a regresar a Palacio dos veces. Su fama estaba asegurada.
En diciembre de 1844, la comitiva de Tom Thumb llegó a Irlanda. Antes de poner un pie en el país, los periódicos locales ya seguían las actividades del «héroe transatlántico»; a quien describían como «uno de los fenómenos más singulares de la clase pigmea», «vivaz, interesante, inteligente y elegante, y de proporciones simétricas». Su espectáculo incluía un palacio con muebles a pequeña escala; mostraba los obsequios entregados por la reina Victoria; y, en recuerdo de su visita a Escocia, añadió un Kilt a su vestuario. Llegó a Dublín en un carruaje especialmente diseñado para él, conducido por «los ponis más pequeños de Irlanda». Actuó en la Sala Grande de la Rotonda durante una semana.
A principios de 1845, Stratton viajó a Francia y conoció al rey Luis Felipe. Mientras estaba en París, lanzó su carrera teatral, actuando en la obra Le Petit Poucet. Por su actuación le nombraron miembro honorario de la Sociedad Dramática Francesa. Una adaptación de la obra se presentó durante seis semanas en Londres, antes de recorrer el resto de Inglaterra.
La gira por Europa duró tres años. Su fama y popularidad creció a un ritmo vertiginoso, y volvió a casa convertido en una celebridad internacional. Un éxito financiero, tanto para Barnum como para los padres de Tom Thumb, quienes aumentaron sus ingresos vendiendo recuerdos de su hijo. En 1848 apareció en una producción teatral en Broadway y continuó dando giras tanto en Estados Unidos como en Europa.
A principios de 1863, Stratton se casó con Lavinia Warren. La boda acaparó las portadas de periódicos como el New York Times o la revista Harper's. Cerca de diez mil invitados asistieron a la celebración en el hotel Metropolitan de Nueva York. La luna de miel de la pareja incluyó una parada en la Casa Blanca, donde fueron recibidos por el presidente Lincoln.
Para acrecentar su fama, aparecieron varias fotos con un hijo. Lavinia confesó en su autobiografía que Barnum había alquilado un bebé para las sesiones de fotografía. Luego dijeron que había muerto. Sin embargo, un historiador ha encontrado evidencias documentales que probarían que el niño era de ellos.
En 1869, los Stratton, junto a Commodore Nutt y Minnie Warren, comenzaron una gira por Estados Unidos, Japón, China, Singapur, Australia, India y Europa. Regresaron a Nueva York en 1872, después de recorrer más de 50.000 millas y actuar en cerca de 600 teatros. A lo largo de su carrera, Stratton demostró una considerable perspicacia comercial y financiera, acumulando una gran fortuna, que en ocasiones usó para ayudar a Barnum.
En enero de 1883, los Stratton se hospedaban en Newhall House en Milwaukee cuando se produjo un incendio. Murieron más de 70 personas, pero Tom y Lavinia se salvaron. Seis meses después, Stratton murió de un derrame cerebral. Tenía 45 años. Más de 20.000 personas asistieron al funeral. Barnum encargó una estatua en su honor y se colocó en su tumba. Cuando Lavinia murió, 35 años después, fue enterrada junto a él.
Fotografía de Albert Smith (c. 1860)
Grabado de Albert Smith, del libro Encyclopedia of Wit and Humor editado por William E. Burton (1858)
Albert Smith dando una conferencia en el Egypt Hall, Londres: 'The Ascent of Mont Blanc', Illustrated London News, 25 de diciembre de 1852
Carteles anunciadores del espectáculo de Albert Smith en el Salón Egipcio.
El grupo de Albert Smith llega al refugio de los Grands Mulets. Litografía en color de F. Baumann (1853).
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Refugio en los Grandes Mulets, bosquejo de Albert Smith.
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Ascenso al Montblanc. Salón Egipcio: Grieta del glaciar de Tacconay. Samuel Read, para la revista Illustrated London News.
Dejando los Grands Mulets
El glaciar de Tacconay
El Mur de la Côte
La cumbre
Serie de cuatro grabados realizados por George Baxter, a partir de los bocetos de John MacGregor, otro explorador que llegó a la cima poco después de Smith.
Retrato de Marie Paradis (1778-1839), c. 1830, huecograbado anónimo. Marie era una sirvienta de Chamonix.
Henriette d'Angeville (1794–1871), acuarela c. 1838 por J. Hébert. Descendiente de una familia aristocrática francesa, refugiada en Ginebra después de la Revolución.
Albert Richard Smith (24 de mayo de 1816 - 23 de mayo de 1860) fue un autor, animador y montañero inglés. Aunque estudió medicina en Londres y en París, abandonó gradualmente su profesión de médico en favor de la escritura; convirtiéndose en uno de los escritores y humoristas más populares de su tiempo.
En agosto de 1851 Smith ascendió al Mont Blanc. Al año siguiente publicó un libro sobre sus aventuras, La historia del Mont Blanc, y presentó en el Salón Egipcio la narración de su ascenso. Apoyó su conferencia con dioramas en movimiento, pintados por William Beverley, que ilustraban los peligros y las vistas más espectaculares del ascenso. Smith llegó a dar 2.000 presentaciones durante seis años y ayudó a popularizar el alpinismo en la Gran Bretaña victoriana. En mayo de 1854 actuó ante la reina Victoria y el príncipe Alberto en Osborne House. Fue uno de los miembros fundadores del Alpine Club en 1857.
Smith no había sido el primero en alcanzar aquella cima. La primera ascensión exitosa al Mont Blanc ocurrió mucho antes: el 8 de agosto de 1786. Los pioneros fueron Jacques Balmat, guía de montaña, y el doctor Michel Paccard; hazaña que marcó el comienzo del alpinismo moderno. La primera mujer en llegar a la cumbre fue Marie Paradis en 1808, acompañada por Balmat, aunque lo consiguió asistida por sus guías. La segunda mujer lo hizo treinta años después: Henriette d'Angeville . Dado que Paradis coronó la cima con ayuda de sus guías, d'Angeville se considera la primera mujer que lo logró con sus propias fuerzas.
En julio de 1858, Smith viajó a Hong Kong. A su regreso publicó To China and Back (1859), y en diciembre de 1858 inició, de nuevo en el Egypt Hall, otro espectáculo, llamado "Mont Blanc to China", con similar repercusión.
Fotografía del frontispicio de memorias de William Morton (1838-1938), director de teatro y cine.
Fotografía de Maskelyne con Pshyco.
Cartel anunciador de Maskelyne y Cooke.
Maskelyne, John Nevil y George A. Cooke. Cartel anunciador de Psycho, el autómata jugador de whist.
Psycho
Fotografías del Salón Egipcio de 1895.
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Anuncio (1888) de Arcana en el Salón Egipcio.
Demolición del Salón Egipcio. Ilustración para The London Perambulator (c 1925), por Muirhead Bone.
A fines del siglo XIX, el Salón Egipcio también se asoció con la magia y el espiritismo. En 1873, William Morton asumió su dirección y lo modificó para sus protegidos, Maskelyne y Cooke, que actuaron allí durante 31 años.
Maskelyne y Cooke inventaron muchas ilusiones que todavía hoy se realizan. John Nevil Maskelyne creó, con la ayuda de John Algernon Clarke, un autómata llamado Psycho, que se mostró por primera vez al público en enero de 1875. Psycho tenía el aspecto de un indio en miniatura, sentado con las piernas cruzadas sobre un cofre de madera. Este cofre, apoyado sobre un cilindro de vidrio transparente, se abría al público para demostrar que era demasiado pequeño para ocultar a una persona. Debajo de su mano había un estante para trece cartas. Psycho jugaba al Whist moviendo su mano a lo largo del estante de cartas, levantando una carta y entregándosela a Maskelyne. Mucho se debatió en la prensa sobre si se trataba o no de un puro invento mecánico.
Maskelyne y Cooke fueron abiertos sobre el uso de trucos de prestidigitación, refiriéndose a su espectáculo como un "entretenimiento de puro engaño". Maskelyne era miembro del Círculo Mágico y trató de disipar la noción de poderes sobrenaturales. En 1914 fundó el Comité Oculto, para "investigar las afirmaciones de poder sobrenatural y exponer el fraude".
La actuación final fue el 5 de enero de 1905, poco antes de que el edificio fuera demolido. Los Maskelyne se mudaron al St. George's Hall en Langham Place, que se conoció como Maskelyne's Theatre.
Hombres y niños con carteles publicitarios; incluida una figura negra, tableros que incluyen anuncios de la exposición india de George Catlin en el Egyptian Hall, Piccadilly, Londres y de un modelo anatómico. 1834-40
Acuarela, con pluma y tinta negra. Dibujado por George Scharf.
Interior del Salón Egipcio, Piccadilly, con vistas al paisaje polar, trajes lapones y astas decorando las paredes; grupo de lapones y ciervos en exhibición en el espacio central, rodeados de espectadores (1822). Aguafuerte y aguatinta coloreados a mano, por Thomas Rowlandson.
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